LA MUJER EN LA CULTURA POP

Estamos felices y orgullosas de presentar la nueva generación de artistas que conforman el ciclo 3.0 de Festival HelloWorld, 15 artistas de diferentes disciplinas formarán parte de la exhibición colectiva «JUST A GIRL” con Curaduría de Paty Siller, la cual girará en torno a la representación de la figura femenina en la cultura pop, especialmente en el cine y la televisión.

ARTISTAS PARTICIPANTES:

Citlali Hernández

Carmen Ixchel Maya

Martha Maya

Luciana ponte

Sarmen Almond

Daniela de la Torre

Línea de Luz

Natalia Marmolejo

Issa Téllez

Paulina Patiño

Carolina Villanueva

Ranchito

Laboratorio 118

 

 

GESTORAS HELLOWORLD:

Monica Aguilar

Anabel Becerril

Nancy Mookiena

 

CURADURÍA:

Patricia Siller

 

SAVE THE DATE 11 AL 21 NOVIEMBRE

📷 Fotografía Beatriz Sokol   //   💡 Concepto: Monky Upa   //   🔧 Desingner Light: Daikoku Reyes

Patricia Siller (1989. Saltillo, Coahuila).

Licenciada en Artes Visuales y Mediáticas por el CEDIM.

Está interesada en los puntos en común entre la curaduría y la producción artística y la manera en que los límites existentes entre las dos disciplinas se han ido desvaneciendo. Su investigación actual se centra en la materialización de las prácticas digitales, enfocándose en Arte Digital Contemporáneo con énfasis en artistas emergentes mexicanos. Ha trabajado para las galerías OMR y Marso y ha sido encargada de exposiciones para Casa Maauad, todas en CDMX.

Realizó residencias en NoAutomático (Monterrey) y en el Museum of Human Achievement (Austin). Produjo en 2018 y 2019 el Espacio de Arte y Tecnología de Fundación Telefónica para Gallery Weekend.  Ha colaborado para la revista digital Código y para LAR Magazine. Es co-fundadora y co-directora de Janet40 y jefa de producción para la Feria de Arte Material en CDMX.

Natalia Marmolejo López (1994, México D.F.)

Egresada de Artes Plásticas y Visuales por la ENPEG “La Esmeralda”. Estudió la preparatoria en Miri Piri Academy, en Amritsar, India. Ahí se certificó como maestra de Kundalini Yoga y Meditación. Participó en tres copas mundiales de Kabaddi en el Punjab con la selección Estadounidense y luego la Mexicana. Durante 2016 realizó un intercambio académico en Listaháskóli, en Reykjavik, Islandia, donde se integró a la banda de música Big Mint. Rindió el servicio social en el Museo de Arte Carrillo Gil en el área de educación. Fue publicada en la revista de arte digital [ANTI]MATERIA. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales nacionales e internacionales. En 2021 se presentó en la feria de arte Clavo con Janet40. 

Su práctica artística es transdisciplinaria, ya que se traslada por distintos medios como dibujo, pintura, textiles, maquillaje, vestuario, video, performance, instalación, medios digitales, música y audio, fotografía, escultura y texto. Su tema principal es la fragilidad de la identidad contemporánea y los conflictos existenciales que surgen de nunca pertenecer del todo.

Carmen Ixchel Maya (Ciudad de México, 1994)

Artista Visual y escénica egresada de la carrera de Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño, actualmente estudia en el Centro de Investigación Coreográfica, cursó el programa de Danza y Mediación Tecnológica por parte de Danza UNAM. Interesada en investigar la coreografía y explorar su amplia gama de posibilidades en otras disciplinas. Trabaja el concepto de archivo y apropiación, partiendo de una investigación que oscila entre los significados del cuerpo y la imagen en movimiento. Fue artista residente de Casa Abierta Oaxaca y del CaSa de Toledo formando parte del laboratorio de videodanza y escena expandida RESONANCIAS. Ha participado como performer en el Hemispheric Institute, en CMMAS Morelia, Museo Universitario del Chopo, Casa Estudio Diego Rivera, Salón de danza UNAM, el CCE, entre otros. Su producción de video ha participado en muestras en Brasil, Colombia, Viena, Italia, Madrid y México

Daniela de la Torre (1997. Querétaro, Querétaro)

Egresada de Artes Visuales por parte de la ENPEG “La Esmeralda”. Su trabajo se desarrolla en diferentes disciplinas que incluyen el performance, video, fotografía, arte digital, textiles y el texto como imagen. Sus investigaciones giran en torno a las condiciones de la  producción artística contemporánea y cómo éstas entran en diálogo con la generación millennial y generación Z en el marco de la cultura de masas como principal molde para la identidad, los valores y la producción simbólica. Su trabajo ha sido mostrado en espacios como la Galería Libertad (Querétaro), Pandeo (CDMX) y Disneyland Paris (Australia). Ha colaborado en proyectos con iniciativas como Biquini Wax EPS, Clave, Janet40, Bexpo y Laboratorio de Arte Alameda.

Sarmen Almond

Músico y performer vocal Mexicana.

Artista intermedial y profesora de voz especializada en la tradición Roy Hart. Maestra en Artes Sonoras (Queen’s University Belfast) y actual doctoranda del programa de Artes del INBA.

Sarmen utiliza la voz y su relación con las nuevas tecnologías para crear composiciones y descomposiciones de la personalidad en el escenario. Persigue una búsqueda constante de las infinitas posibilidades vocales que el cuerpo humano lanza como instrumento, así como el reflejo de estas sonoridades en espacios físicos e imaginarios. Ha actuado en México, Aberdeen, Londres, Belfast, Francia, Sevilla, Edimburgo, Praga, Manchester, Falmouth, She_eld, La Haya, Utrecht, York, Barcelona, Singapur, entre otros.

Martha E. Maya González

Originaria de Tijuana, Martha ha desarrollado su carrera como pos productora y artista digital, actualmente radica en la Ciudad de México.

Su trabajo se ha presentado en diversas instituciones de arte y festivales tales como el Centro de Cultura Digital, Laboratorio Arte Alameda, Centro Nacional de las Artes y en el festival Abandon Normal Devices en Inglaterra. Ha integrado su estética para marcas como Nike, Adidas, Reebok, Samsung y formó parte del colectivo ASCO Media.
Su trabajo visual es una mezcla de glitch art y descomposición del video mediante collage y mixed media. A través de la búsqueda del error en la imagen, Martha reflexiona sobre los sistemas fallidos que existen en nuestro entorno, el consumo acelerado de las imágenes y a su vez explora las fronteras de lo digital y a dónde puede llevarle la distorsión de pixel.

 

Carolina Villanueva Lucero (Guaymas, Sonora, 1989)

Es licenciada por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado ENPEG “La Esmeralda” donde trabaja como docente en el área de artes tecnológicas desde 2016. Ha recibido apoyo de FONCA individual y colectivamente.  Ha participado en exposiciones colectivas dentro y fuera del país, en recintos privados y públicos como el Centro de Cultural Digital en 2018, Mana Contemporary  en 2019; dos exposiciones individuales, en el Museo de Arte Carrillo Gil en 2018 y  Salon Silicón en 2019. Obtuvo el primer lugar de la Bienal de Arte Emergente de Nuevo León 2019.  Su trabajo se desarrolla a partir de reflexiones entre lo análogo y digital, las posibilidades expresivas de la estética digital y las máquinas para hacer imágenes. Aborda temas como el paisaje y el error utilizando dibujo digital, fotografía, imágenes en movimiento y trabajos en Internet principalmente.

Luciana Ponte (1981. Neuquén, Argentina)

Licenciada en Artes visuales por la Universidad Nacional de Arte de Argentina, becaria de la Universidad Torcuato DI TELLA, becaria del Centro de Investigaciones Artísticas.

Le gusta jugar con las contradicciones entre nociones de lo virtual vs lo real, entre lo sincero vs lo falso, entre la ficción vs lo documental, entre lo pedagógico vs la sátira, entre lo artesanal vs lo prefabricado, entre lo original vs la copia, entre lo público vs lo privado, entre lo personal vs lo colectivo; siempre haciendo referencia a vinculaciones superficiales, y sentimientos de soledad y aislamiento. Utiliza discursos encontrados en internet, frases e imágenes de la cultura de los memes y gestos artísticos aficionados que se encuentran en redes sociales, construye nuevas imágenes y objetos, preguntándose dónde está el arte, dónde está la audiencia y quiénes son los autores.

Realicó residencias en Argentina, Colombia y México, y exposiciones individuales en Argentina, Chile, Colombia y México; y múltiples exhibiciones grupales en Argentina, México, España, Perú, Colombia y Suiza.

Citlali Hernández Sánchez (1986, Ciudad de México/Barcelona)

Estudió Diseño Industrial en el Centro de Investigaciones de Diseño Industrial en la UNAM en México y tiene terminado el Máster Universitario de Artes Digitales en la Universidad Pompeu Fabra, Barcelona. Cuenta también con el diploma Fab Academy 2016, programa de estudios en fabricación digital en Fab Lab Barcelona. Ha asistido a diversos programas de formación artística, entre ellos el “Diplomado en Investigación y Producción Artística Transdisciplinaria: TRÁNSITOS” en el CENART (MX). El trabajo de Citlali investiga las implicaciones del cuerpo y el uso de nuevas tecnologías en las artes, cuestiona las relaciones humano – máquina – información. Algunos de sus proyectos se han presentado en espacios y festivales como: CCEMx (Cd.Mx), CMMAS (Morelia), Centro Cultural GAM (Santiago de Chile), Centro Cultural L’Estruch (Sabadell), Sala OFF (Valencia), Feria de Arte Contemporáneo JustMAD 15 y 17 (Madrid), Mercat de les Flors (Barcelona), Festival ECOSS 18 y 19 (Barcelona), Festival de Videoarte VERTEX (Medellín), Festival Dança Em Foco (Río de Janeiro), entre otros. Actualmente, Citlali se dedica a la docencia en torno a la fabricación digital a nivel universitario, programa proyectos culturales, y busca espacios de intersección entre arte, cuerpo y tecnología.

Linea de luz (1992. Los Angeles, California)

Licenciada en Sociología y Artes Plásticas por la Universidad de California, Berkeley. Artista transdisciplinaria, se identifica como alquimista pedagógica y cultural, creando hacia una construcción de conocimiento descentralizado y horizontal a través de la creatividad. Sus prácticas parten desde lo cuir, lo transglitchfeminista y la pedagogía anarquista para transmutar incomodidades, dudas y sueños en materialidades que catalizan un sentido de afirmación en las personas. Ha participado en ‘La Rebelión Textil’, laboratorio artístico y de electrónica como parte del proyecto Voz Pública. Desde el 2020 forma parte de Costurero Electrónico. Es recipiente de la primera generación de becas en 2021 por parte del Sevens Genesis Grant y su pieza forma parte de una exposición reservada para el primer NFT de un artista digital. Sus piezas han sido expuestas en Feminasty: Espectros Pandémicos, The Feminist Art Museum, la Bienal 3D, Solar: Espacio de Experimentación Lumínica, entre otras. Sus piezas han formado parte de revistas digitales como Seiren Quarterly 2.0, The Feminist Library UK y Art as Activism

Ranchito (1993, San Martín Texmelucan, Puebla)

Licenciada en Artes Visuales por ENPEG “La Esmeralda” y en Ciencias de la Comunicación por la UNAM.

Con su producción le interesa cuestionar las categorías de género, los mitos de la cultura pop de los  90’s y 2000. A través de dinámicas de juego realiza pinturas, dibujitos feos, performance y vestuarios que actúan como amuleto o armadura. En una resistencia a lo aburrido, deprimente y agresivo que se vuelve ser adulto, se plantea una guerra liderada por procesos de empatía hacia nosotres mismes y hacia les demás, en la constante búsqueda de la construcción de otros mitos contemporáneos en donde todes somos hadas, furros, héroes, princesitas, estrellas pop, dragones, 3m0 y lo que la fantasy pida, todo al mismo tiempo.

Fundadora del proyecto colectivo Kashé y Shirotta con el cual ha realizado “Fortuna” (pasarela en el metro) en colaboración con No Hacer Nada, “Una transición extraña en colaboración con Rozy con quien actualmente realiza una residencia en el Museo de Arte Carrillo Gil. En 2020 gestionó “Clímax Capricornio” performance y exposición colectiva, participó en las exposiciones colectivas “El año de la rata” en Pandeo, “Pixeles activados” de casa equis.

Paula Patiño (Bogotá, Colombia. 1996)

 Artista plástica y visual con base en Cuernavaca, Morelos. Estudios en Bellas Artes en la Universidad de Granada (España), y culminados en Artes Plásticas y Visuales de la Facultad de Artes ASAB – Universidad Distrital Francisco José de Caldas (Bogotá, Colombia). Con profundizaciones en fotografía, video y medios digitales. Actualmente cursa la Maestría en Producción Artística de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. Los proyectos que desarrolla surgen en respuesta a una necesidad por encontrar su lugar en el mundo, cuestionando los sistemas que construyen realidades. Le interesa profundizar sobre el consumo de imágenes de su contexto a través de diferentes lenguajes. Más allá de crear imágenes busca interpretarlas y darles otro significado cuestionando el rol “oficial” y “original” de estas.

Hace parte del Colectivo Infamia, un grupo de jóvenes artistas que desarrolla proyectos de investigación y creación en medios audiovisuales e instalaciones basándose en las preocupaciones contemporáneas de su contexto. Ha participado en exhibiciones como IV Festival de Videoarte de Palmira, Bogotá Domestica en Biquini Wax EPS, Mercadito y Mambo en Museo de Arte Moderno de Bogotá y Feminasty #6 Espectros Pandémicos, Si lo tiene tráigalo! en el Espacio Odeón en Bogotá y acreedora de premios como la Beca de Circulación del Instituto Distrital de las Artes en Bogotá IDARTES 2018.

Issa Téllez  (MTY, MX. 1995)


Le interesa hacer arte directamente desde su vida. Su obra tiene raíz en la experiencia de habitar una cuerpa que ha sido violentada, a la que se le ha impuesto el culto a la heteronorma y sus instituciones; usa la transgresión como medio de reconciliación. Su trabajo utiliza lo cuir, la sátira, la brujería y la cultura pop para generar estos espacios de reconciliación y diálogo, en forma de performance (porque la heteronorma ya es performance), la instalación, video, e intervención en sitio, donde podemos reírnos juntxs, hablar de nuestro struggle, y activar un mecanismo que nos ayuda a hacer frente al contexto de violencia y trauma que vivimos.
En su practica artística se cuestiona ¿Qué posibilidades tiene lx cuerpx para sobrevivir diario un sistema que nos exige estar listas para más violencia? Y por otro lado, ¿cuáles son las posibilidades de mi cuerpa al trascender este sistema? ¿Qué nos queda más allá de los espacios de tensión de la heteronorma? Busca lo que se escapa por las fisuras, a lxs que sobrevivimos a pesar de todo, y que estamos aquí para disfrutar en nuestros propios términos.

Laboratorio 118

Dupla creativa formada por Diseñadoras de la Comunicación Gráfica, egresadas de la UAM- Xochimilco. Mónica Aguilar y Anabel Becerril forman Laboratorio118, desde el 2012 trabajan juntas en la aplicación de técnicas de diseño, glitch art, arte digital, vjing, procesamiento de imagen en tiempo real, animación y video mapping para la creación de instalaciones digitales, la intervención de espacios y la experimentación visual.